jueves, 28 de junio de 2018

Nacimiento de Venus de Botticelli

Se trata de una pintura renacentista. Creada por Sandro Botticelli, en 1484 en Florencia. Se encuentra en la Galería Uffizi (Florencia, Italia). Pertenece al Renacimiento, donde el cuerpo humano recupera su importancia. Se busca la belleza mediante el equilibrio y la armonía; y se persigue el naturalismo. Y en cuanto a los temas, se recuperaron los mitológicos. Se caracterizó por la distorsión de las figuras, la creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy vivos. Podemos observar el nacimiento de una mujer completamente desnuda. No parece una persona normal, porque está naciendo de una concha, representando una perla y belleza, aparte de estar en estado adulto. Se puede ver como la están recibiendo las ninfas del viento y la naturaleza, que son las ninfas que hay en los extremos de la obra.

Observación viva de la naturaleza, la figura humana es el centro y medida de todas las cosas, dominio de la perspectiva y de las técnicas compositivas, efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisal. Solo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por Simonetta Cattaneo, una musa florentina elegida por los Medici. Estos documentos de pictografía indican que para el año 1499 ambos estaban instalados en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.

David Veres, Saioa Fernández, Andrea Ferrer, Josep Gaya, Daniel Cardona.
2º ESO A

David de Donatello


La obra pertenece al Renacimiento italiano, concretamente a la época del Quattrocento. Es el David de Donatello realizado por este autor en torno a 1440. La obra se puede contextualizar en la plenitud del Quattrocento. Fue un encargo de Cosme de Médicis, prohombre florentino que al devolver el poder a la República de Florencia se identifica con el personaje bíblico. Se trata de un símbolo de la victoria sobre sus enemigos, de manera que el David se asocia a la figura de Cosme regresando como un triunfador. Actualmente, se encuentra en el museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia.

La actitud que presenta el cuerpo, apoyándose sobre la pierna derecha, es una influencia clara del estilo de Praxíteles, que se conoce en el mundo del arte como la "curva praxiteliana" o contrapposto, y que contribuye a romper la ley de la frontalidad proporcionando un movimiento más armónico al cuerpo. La espada que sostiene, la piedra en la otra mano y su mirada satisfecha nos dan también, a pesar de su juventud, una idea de su valentía. El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio.
La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Bargello. El David de Donatello es una de las obras más relevantes del primer Renacimiento. En este periodo (Siglo XV) tuvieron lugar varios acontecimientos importantes como los siguientes:
1453: Los turcos otomanos conquistan Constantinopla. Fin de la Edad Media.


1474 - 1477: Guerra de Borgoña entre el Ducado de Borgoña y la Dinastía Valois

1475- 1479: Guerra de Sucesión Castellana
1492: Descubrimiento de América por Cristóbal Colón.


En esta escultura, que está hecha de bronce, podemos observar al famoso personaje bíblico, David, después de vencer a Goliat, cuya cabeza está a los pies de David. Podemos ver algunas características del Renacimiento. Los artistas renacentistas buscaban volver a la edad antigua, lo que explica que se represente una escena bíblica. Los renacentistas acostumbraban a buscar las  proporciones perfectas, en concordancia con esta idea se ve que David está perfectamente proporcionado. La obra se puede asociar al renacimiento, y comparte las características del mismo. Se busca la belleza mediante el equilibrio y la armonía; y se persigue el naturalismo. Se recupera la escultura exenta y entre los principales materiales que se usan destaca el mármol y el bronce. Y en cuanto a los temas, se recuperaron los mitológicos y, aunque en menor medida que en el gótico, también encontramos temas religiosos.

Miguel Andrés, Alberto Andrés, Inés Arroyo, Mateo Tabernero, María García.
2º ESO B

MOISÉS DE MIGUEL ÁNGEL

El Moisés es una escultura de mármol blanco, realizada en 1513-1515, obra de Miguel Ángel, centrada en la figura bíblica de Moisés. Está ubicada en San Pietro in Vincoli, Roma (Italia) y mide 2’35m. El escultor es Miguel Angel Buonarotti (1475-1564). Imagen del genio renacentista, ejerce con maestría en todos los campos (arquitecto, pintor, poeta), aunque se siente escultor. Busca expresar en sus obras una Idea, en el sentido neoplatónico: una belleza que sea expresión de un orden intelectual. Podemos considerarlo, sin duda alguna, como la expresión del artista total.

CURIOSIDADES:
Cuando Miguel Ángel terminó la escultura de Moisés, le dió un ligero golpe en la rodilla con el martillo que lo había construido y le dijo a este: ¡HABLA!
El Moises de Miguel Ángel tiene cuernos porque en la Biblia ponía , “de su rostro salían rayos de luz”. Se cree que al traducir esta frase, San Jerónimo cometió el error de pensar que significaba “su rostro tenía cuernos”, y así lo escribió. A partir de entonces y durante muchos siglos, muchos artistas, cuando pintaban o esculpían la figura de Moisés, le ponían unos cuernecillos en la cabeza. Miguel Ángel fue uno de ellos. En aquellos tiempos a nadie le extrañó ni le pareció mal ya que los cuernos eran símbolo de poder y grandeza.

Ana Gomis, Gorka Vaquerizo, Reyes Romera, Sergio Marco, Gemma Sánchez.
2º ESO A

Catedral de Ávila

La catedral de Ávila situada en la zona más alta y más llana de la ciudad, está considerada la más antigua del gótico español, empezó a edificarse en estilo románico, pero más tarde su construcción se realizó en estilo románico de transición al gótico. Se trata de una construcción religiosa con fines defensivos ya que su ábside es uno de los cubos de la muralla de la ciudad. Debemos tener en cuenta que las obras se llevaron a cabo de manera desigual a lo largo de tres siglos, produciéndose importantes cambios sobre el proyecto inicial.

El templo consta de planta de cruz latina, tres naves de cuatro tramos, amplio crucero y cabecera formada por capilla mayor, girola de doble nave y capillas radiales. El único elemento de su pasado románico, es el ábside se encuentra integrada en la muralla y parte de los muros orientales del crucero. El desarrollo de las naves hasta los pies, su abovedamiento y las dos torres, una de ellas sin terminar, son de concepción ya del primer gótico.

Posee dos portadas, la principal, entre las dos torres mencionadas y la de los Apóstoles, en un lateral. El coro y el claustro se le añadieron posteriormente, en el siglo XVI. La capilla mayor tiene un magnífico retablo realizado por Vasco de la Zarza y con pinturas de Berruguete y Juan de Borgoña. Las vidrieras son del siglo XV. En la girola se encuentra la obra cumbre de Vasco de la Zarza, el sepulcro de El Tostado, en alabastro.
La planta posee influencias francesas y cierta semejanza con la basílica de Saint-Denis, la primera iglesia gótica. De gran originalidad es la cabecera, por un doble motivo: al exterior se encuentra fortificada, a modo de ábside macizo y almenado, popularmente conocido como "Cimorro"; mientras que al interior presenta un doble deambulatorio, con finas columnas y arcos ojivales, que aportan a este espacio una sensación de ligereza y diafanidad.

El cuerpo de naves corresponde a un periodo en el que el Gótico había entrado en una fase más depurada y luminosa. Las tres naves son de igual anchura pero la central es notablemente más alta, y se abre con grandes ventanales al exterior. Las bóvedas son en su mayoría de crucería simple cuatripartita.

Fuentes:
- https://www.rutasconhistoria.es/loc/catedral-de-avila
- https://es.m.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada

David Veres
2º ESO A

jueves, 7 de junio de 2018

DAVID DE MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel ya hablaba en sus escritos de la relación íntima que establecía con el mármol desde la cantera, y definía su trabajo como simplemente liberar o hacer salir la forma que ya estaba ahí. Cuatro años se pasó Miguel Ángel esculpiendo la obra. A las pocas semanas de comenzar, el escultor
pidió que levantaran cuatro muros alrededor del bloque, para poder protegerlo de los curiosos. Y claro, la expectación era máxima. Lo que en principio era una escultura religiosa, tomó inmediatamente connotaciones políticas. Los Médicis habían sido expulsados de Florencia y la ciudad se había transformado en una república, por lo que el David fue visto como un símbolo de libertad, una obra de arte que recordaría a los gobernantes que debían proteger a Florencia de la injusticia, como había hecho el rey David. Por supuesto hubo críticos. Sobre todo por la desnudez del joven, pero eran otros tiempos. Hace 500 años había una cierta libertad artística que incluso permitía el desnudo en el arte religioso.

El David de Miguel Ángel es desde entonces el ideal de belleza masculina. Un hombre musculoso, en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo está girado con un ligero contraposto, su cabeza mira hacia su izquierda (hacia Roma), con los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. Es increíble que con un cincel, Miguel Ángel consiguiera semejante delicadeza. Ni siquiera hizo modelos de yeso previos a escala real, como hacían otros artistas de la época. Escultóricamente, El David fue una obra
creada para ser contemplada desde distintos puntos de vista, al contrario que la manera medieval, que
diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente.

Destaca el detallismo en los músculos, las venas, las uñas… Sólo le falta hablar. Es un paso adelante de su anterior obra, el Moisés, de tal realismo que cuenta la leyenda que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo «¿por qué no me hablas?», sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida.

Elena Piqueras, María Ruiz, Pablo Peris, Abel Pérez, Mar Zafrilla. 2º ESO B

Escuela de Atenas de Rafael

Esta obra artística se trata de una pintura creada por Rafael Sanz desde el año 1510 hasta el año 1512. Se encuentra en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano. Pertenece al periodo de la historia llamado Renacimiento, por lo que es de estilo renacentista. Por ello, predomina la línea frente al color, compensa los tonos fríos con los cálidos, lo que produce armonía. También tiene luz natural, se intenta crear volumen mediante el claroscuro, el foco de luz proviene de arriba e intenta distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes. Es simétrica, con un gran eje que, al pasar entre Platón y Aristóteles, divide el cuadro en dos partes. En cada uno de los lados, aparecen los grupos compensados. Se advierte el uso de la geometría, lo que organiza el cuadro mediante formas armónicas irregulares. La perspectiva lineal nos conduce al punto de fuga central que vuelve a insistir en la idea de la simetría y la armonía. La relación que se establece entre la pintura y el periodo de tiempo al que pertenece es que se plasman las ideas clasicistas pertenecientes al humanismo y la razón y la proporción que quieren mostrar en él.

Cristina Peirats Alonso, Lucía Rodríguez Miquel, Valentina Uzcategui, Paula Ruiz López,
Claudia Sánchez Mínguez. 2º ESO B


La Gioconda o Mona Lisa (Leonardo Da Vinci)


El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, más conocido como La Gioconda, o Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del Louvre de París.
 
La Gioconda ha sido considerada como el cuadro más famoso del mundo. Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista y al espectacular robo del que fue objeto el 21 de agosto de 1911.
Es además la última gran obra de Da Vinci. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento en su residencia del castillo de Clos-Lucé. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado por un importe de 12.000 francos, aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519. Tras la muerte del rey, la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al palacio de Versalles. Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, lugar donde se trasladó en 1797. En 1800 Napoleón Bonaparte ordenó sacar el cuadro del museo y colocarlo en su dormitorio del palacio de las Tullerías hasta que lo devolvió al museo en 1804. Allí se alojó definitivamente, salvo un breve paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el cuadro fue custodiado en el castillo de Amboise y posteriormente en la abadía de Loc-Dieu. Hasta 2005 se ubicó en la Sala Rosa del Louvre, y desde entonces se encuentra en el Salón de los Estados. Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del cuadro se conocen gracias al trabajo biográfico del pintor Giorgio Vasari, contemporáneo de Leonardo.


Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Murió acompañado de Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

¿Dónde se encuentra?
El Museo del Louvre es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo. Es uno de los más importantes del mundo. Está ubicado en París (Francia), en el antiguo palacio real del Louvre, y actualmente promueve dos subsedes, en Lens (Francia) y en Abu Dabi (Emiratos Árabes Unidos).


Sus extensas colecciones son el resultado de un doble esfuerzo histórico. Al coleccionismo desarrollado por la monarquía francesa a lo largo de varios siglos, se sumó el esfuerzo de los hombres de la Ilustración, la labor desamortizadora de la Revolución francesa, las victorias militares durante las guerras napoléonicas, y las campañas arqueológicas y compras impulsadas durante todo el siglo XIX. La apertura del Louvre en 1793 significó, dentro de la historia de los museos, el traspaso de las colecciones privadas de las clases dirigentes (monarquía, aristocracia e Iglesia) a galerías de propiedad pública para disfrute del conjunto de la sociedad. Por ello el Louvre constituyó el precedente de todos los grandes museos nacionales, y de hecho fue el modelo para muchos de ellos. Es el museo de arte más visitado del mundo, muy famoso por sus obras maestras, especialmente La Gioconda de Leonardo da Vinci. El Louvre es uno de los museos más grandes del mundo.
  
Curiosidades
Es la pintura más visitada del mundo. Una peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día nos extrañe, era una costumbre común entre las damas florentinas de la época, depilarse todo el vello de la cara.
En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo. El traslado y acondicionamiento tuvo un coste de 6 millones de dólares que corrieron a cargo de la misma cadena televisiva japonesa que patrocinó la restauración de la Capilla Sixtina.
Tiene un valor de 700 millones de dólares.
En 2005 la sonrisa de Mona Lisa fue analizada con un “software de reconocimiento de emociones” en la Universidad de Amsterdam. El resultado fue que de sus ojos y labios se desprende que la modelo era un 83% feliz, tenía un 9% de desagrado, un 6% de miedo y un 2% de enojo.

Luna Hurtado, Sofía Garner, Lucía Llopis, Juan Carlos y Lucía Dolz. 2º ESO A