La cúpula de Brunelleschi

La cúpula de la catedral de Santa María di Fiore es una obra arquitectónica construida entre los años 1377-1446 en Florencia, Italia. Su autor es Filippo Brunelleschi, quien inició con esta obra el Renacimiento italiano y florentino en la arquitectura. Está considerada como la construcción más importante edificada en Europa desde la época Romana, debido a la relevancia fundamental que ha desempeñado para el desarrollo posterior de la arquitectura y de la concepción moderna de la construcción.

El Renacimiento es el gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa a fines del siglo XV. Este movimiento se manifiesta particularmente en las artes, admirando y tomando como modelo a la antigüedad clásica y su antropocentrismo: se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales, bajo el signo del Humanismo; ya que para ellos el hombre era lo primordial. Es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético no son ya más absolutamente en función del concepto de vida cristiano. Los intelectuales del Renacimiento entre otros aspectos, apuntan hacia la fusión de lo cristiano con los conocimientos del periodo clásico antiguo de Grecia y Roma.

La cúpula de la catedral de Florencia se levanta sobre un tambor de planta octogonal realizado en piedra. Cada uno de sus ocho lados está revestido por placas de mármol (blanco y verde). Sobre este tambor se levanta la cúpula propiamente dicha que, al exterior, muestra un claro perfil apuntado en el que destacan los ocho nervios realizados con sillares de mármol blanco de cuatro metros de espesor. La cúpula está cubierta por tejas de barro planas, de color rojizo. En el punto de convergencia de los nervios se alza una linterna prismática, de ocho lados y 16 metros de altura, con contrafuertes rematados por espirales y cubierta por una estructura cónica coronada por una esfera de cobre dorado sobre la que se alza una cruz.

Elevada sobre un tambor octogonal, a la manera de los cimborrios góticos. Dimensiones Colosales y una ingeniosa solución técnica: 2 cúpulas unidas, una interior semiesférica y otra exterior apuntada, que contrarresta los empujes de la primera. Utiliza ladrillos huecos (menor peso). Con linterna y cimbra de madera Decoración exterior a base de galerías de arcos de medio punto, hornacinas y los entablamentos clásicos.

Algunas características del Renacimiento en la arquitectura son, por ejemplo, que se inspira más en su antecedente romano que en el griego. La bóveda de cañón y los arcos de medio punto por su sencillez fueron los más corriente. Otra característica es que se introdujeron tirantes metálicos entre las bóvedas para contrarrestar las cargas. Las construcciones más importantes fueron la iglesia, la villa y la fortaleza.

El Renacimiento italiano se inició en un período de grandes logros y cambios culturales en Italia que se extendió desde finales del siglo XIV hasta alrededor de 1600, constituyendo la transición entre el Medievo y Europa moderna.

Los orígenes del movimiento pueden rastrearse desde inicios del s. XIV, principalmente en la esfera literaria, aunque también ya se detecta de forma incipiente algunas de sus características fundamentales, como el mecenazgo, el intelectualismo y la curiosidad por la Cultura Clásica. No obstante, muchos aspectos de la cultura italiana permanecerán en su estado medieval y el Renacimiento no se desarrollará totalmente hasta finales de siglo.

Leyre Vergara,  Sofia Ballester, Álvaro Ávila, Álvaro Camps, Óscar Serra y Adrián Rodríguez. 2º ESO A

Capilla del Rey Casto, Catedral de Oviedo

La capilla del Rey Casto fue construida por orden del obispo Tomás Reluz en 1705, y se estructura paralela a la catedral formando un templo a parte con entrada exterior propia a través de un jardín situado a la izquierda de la catedral.

Se une a la catedral por la gran puerta obra de Juan de Malinas construida entre 1470 y 1485 en estilo gótico. La puerta se divide en dos por un parteluz en el que se esculpió la figura de La Virgen con El Niño.

Sobre las pechinas de los arcos torales hay bustos de varios reyes asturianos. En el interior de la capilla se encuentra el Panteón de reyes de la Catedral de Oviedo, en cuyo centro se encuentra el sepulcro de Ithacio siglo V. Sus personajes de tipo nórdico, de largas barbas y abundantes y pesados ropajes con rostros realistas y expresionistas y alcanzó gran fortuna en España. Los personajes grandes y caracterizados se ven a simple vista los otros forman una serie muy monótona sin que puedas diferenciar sus edades.

Reyes Romera. 2º ESO A

RETABLO DE DON SANCHO DE ROJAS

El Retablo del Arzobispo don Sancho de Rojas es un interesante ejemplo de arte gótico con influencias de la pintura trecentista florentina, realizado por los pinceles de un pintor castellano. Los temas desarrollados en cada una de las tablas se pueden asociar con el ciclo de la Infancia de Cristo (Anunciación, Natividad, Adoración de los Magos y Presentación en el Templo), con el ciclo de la Pasión (Cristo ante Caifás, Flagelación, Camino del Calvario y Crucifixión) y, por último, con el ciclo de la Muerte y Glorificación de Cristo (Quinta Angustia, Santo Entierro, Bajada al Limbo, Pentecostés, Ascensión y Misa de San Gregorio).

La tabla central está dedicada a la Virgen Entronizada con el Niño rodeada de un coro de ángeles con instrumentos musicales. Esta iconografía deriva de la Virgen en Majestad bizantina (Panagia Nikopoia) y está también relacionada con la tradición de la pintura trecentista italiana. La Virgen impone la mitra al arzobispo don Sancho de Rojas, mientras el Niño corona al rey de Aragón, don Fernando de Antequera, gestos ambos que son una clara alusión al origen divino del poder eclesiástico y real. El pintor introduce una iconografía que aparece en el siglo XIV, al representar a los dos donantes precedidos por la imagen de un santo.

Entre los pináculos aparece el escudo de la familia de los Rojas, muy vinculada a Toledo: cinco estrellas azules en campo de plata. Este blasón permite identificar al prelado con Sancho de Rojas, el cual estuvo muy relacionado con el rey de Aragón. El retablo fue encargado por el arzobispo don Sancho de Rojas para la primitiva iglesia del monasterio de San Benito el Real de Valladolid. A finales del siglo XVI fue sustituido por un retablo de Alonso de Berruguete y enviado a la iglesia parroquial del pueblo de San Román de la Hornija. En 1929 fue adquirido por el patronato del Museo del Prado.

Oscar Serra. 2º ESO A

RETABLO DE LA VIDA DE LA VIRGEN Y SAN FRANCISCO

Autor: Francés, Nicolás

Escuela: Española

Movimiento: Gótico internacional

Tema: Religión

Datación: 1445 - 1460

Materia: Tabla

Técnica: Temple Óleo

El retablo de la vida de la Virgen y San Francisco consta de un cuerpo compuesto por tres calles: la de la izquierda dedicada a San Francisco, y la central y la de la derecha a la vida de Cristo y de la Virgen. Aunque cada calle tiene tres registros superpuestos, la central se eleva en altura al ocupar los dos registros inferiores la tabla de la titular, la Virgen con el Niño, entronizada y con ángeles. En el banco, a ambos lados de la tabla central con ángeles músicos, se representa el doble Credo: los apóstoles identificados por sus atributos, alternando con profetas que portan filacterias con sus nombres. El retablo fue realizado originalmente para un monasterio franciscano desconocido y trasladado después a la capilla de una granja próxima a La Bañeza (León). Esta es una pintura española del románico al Renacimiento que esta en el Museo Nacional Del Prado.

El retablo esta formado por nueve grandes tablas, más las dieciocho que componen el banco (o predela). La escena principal es La Virgen con el Niño rodeados de ángeles músicos, completada por cinco escenas de las vidas de Cristo y de la Virgen, en las calles derecha y central, y tres escenas de la vida de San Francisco en la calle izquierda. Todas están enmarcadas con tracerías góticas conopiales. Estilísticamente las tablas responden al llamado Gótico Internacional, combinando el gusto italiano por la claridad de la narración con la atracción nórdica por los detalles naturalistas. La concepción de este retablo responde al interés por la representación de la realidad que se inició con el Gótico.

Gemma Sánchez. 2º ESO A

Giotto di Bondone

Giotto di Bondone nace en Colle de Vespignano (Vicchio) en 1267 aunque para algunos críticos como Carlo Ludovico Ragghianti esta fecha se podría adelantar hasta una década. Muere en Florencia el 8 de enero de 1337. Reconocido artista de la época, desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando la poesía, escultura, arquitectura y sobre todo la pintura, considerándose este autor del Trecento uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia. Su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores. Giotto nació, según las fuentes más fiables, en Colle de Vespignano, en las cercanías de Vicchio del Mugello, una localidad cercana a Florencia. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone y pasó su infancia como pastor de ovejas. Si bien la mayoría de los autores cree que se llamaba en realidad Giotto di Bondone, otros opinan que su verdadero nombre de pila era Ambrogio o Angelo, y que el nombre por el que es conocido, Giotto, no sería más que un diminutivo, derivado de Ambrogiotto o Angelotto.

Según los biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí Cimabue, quien, impresionado por el talento natural de Giotto que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva, le acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.

Otra versión de la biografía de Giotto manifiesta que su padre le mandó a Florencia para que trabajase como aprendiz con un mercader de lanas. El joven, muy interesado en el arte, tomó la costumbre de visitar el estudio de Cimabue para ver a los artistas trabajar, hasta que tras la insistencia su padre le permitió entrar al taller.

Vasari refiere que Giotto era un aprendiz divertido y bromista, a tal punto que en una ocasión pintó una mosca en la nariz de un retrato. Su técnica era tal que Cimabue intentó espantarla con la mano antes de darse cuenta de que estaba pintada. Esta anécdota de juventud presagia ya la técnica característica de Giotto, que le capacitaba para pintar figuras casi reales.

Adrián Rodríguez. 2º ESO A

Frescos de Giotto

Se trata de una pintura, concretamente un fresco, ya que fue pintado cuando el yeso aún estaba húmedo. Elaborado por el pintor, escultor, poeta y arquitecto Giotto di Bondone nacido en Colle de Vespignano en 1267. Ubicado en la capilla de Scrovegni, (también conocida como la capilla de la Arena), Padua, fue pintada durante los años 1303-1306. Consideramos la decoración de frescos de ésta capilla como una obra comparable a la de Miguel Ángel en la capilla Sixtina.

Toda la capilla está decorada de frescos que narran la historia de la Salvación de Jesucristo, pero enfocada al Nuevo Testamento y utilizando narraciones de los evangelios apócrifos como la historia de San Joaquín y la vida de la Virgen.

Pintada durante el Imperio Bizantino, pertenece la época posterior al Renacimiento. Los frescos que recorren la única nave de la capilla son 40 escenas de la vida de Cristo y la vida de la Virgen María, que concluyen el programa iconográfico en una escena del Juicio Final en la pared occidental. El conjunto se completa en la bóveda de la nave por un cielo estrellado con medallones. Tiene cierto naturalismo y busca dar volumen y forma con la mirada. Abundan líneas curvas y sinuosas. Y se utilizan colores claros.

La pintura más importante de esta capilla narra la Huida a Egipto que representa a José, María y Jesús huyendo a Egipto para evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por un ángel, que les marca el camino. María, montada en un asno conducido por José, lleva al Niño sujeto por un pañuelo.

Esta obra pertenece a la Edad Media, concretamente a la época del Imperio Bizantino. Varias veces restaurada (la última intervención de importancia tuvo lugar en 2001) estaba conectada, mediante una puerta lateral, con el palacio de la familia (hoy desaparecido), que había sido construido por orden de los Scrovegni siguiendo el trazado elíptico de los restos del cercano anfiteatro romano, que hoy forma el jardín que está delante del edificio.

Irene Remolí. 2º ESO A

GÁRGOLAS DE NOTRE-DAME

Las gárgolas de Notre-Dame están en la catedral de Nuestra Señora (en francés, Cathédrale Notre-Dame) es una catedral de culto católico, sede de la archidiócesis de París, la capital de Francia.

Se trata de uno de los edificios más señeros y antiguos de cuantos se construyeron en estilo Gótico. Se empezó su edificación en el año 1163 y se terminó en el año 1345. Dedicada a María, madre de Jesucristo, se sitúa en la pequeña isla de la Cité, rodeada por las aguas del río Sena. Es uno de los monumentos más populares de la capital francesa.

Las gárgolas fueron introducidas por primera vez en las catedrales de estilo gótico, eran utilizadas para el desagüe de las catedrales, que despedían el agua por los orificios de la boca de la escultura.

Las gárgolas cumplían tres funciones básicas, a saber:

Desaguar los tejados.

Decorar dichos desagües buscando, por tanto, una finalidad estética.

Una tercera, apoyada en creencias populares y leyendas de que sirven para ahuyentar al demonio y otros espíritus del mal.

Juan Carlos Martí. 2º ESO A